Empezamos con este post de términos de Arte con la A, el cual dará un comienzo de post donde iremos compartiendo los más relevantes.
Muchas veces no logramos comprender alguna corriente artística, una exposición o una obra, estos términos pueden ser útiles para valorar y entender lo que se plasma.
Términos de Arte con la A
Abstracto, abstracción
Forma de arte que no intenta representar el mundo que nos rodea. El término es aplicable a cualquier arte que no represente objetos reconocibles, pero se refiere especialmente a las formas del arte del siglo XX en las que se ha abandonado la idea del arte como imitación de la naturaleza. Kandinsky, Mondrian y Malévich fueron algunos de los primeros pioneros de la abstracción.
Acrílico
Pintura sintética, utilizada por primera vez en la década de 1940, que combina propiedades del óleo y de la acuarela. Puede emplearse para crear diversos efectos, desde los lavados finos Frankenthaler y Louis, hasta la pincelada gruesa de Förg.
Acuarela
Pigmento (color) aglutinado por un agente hidrosoluble como la goma arábiga. Normalmente se diluye en agua hasta que quede traslúcida y se aplica al papel en grandes superficies llamadas lavados.
El papel blanco suele quedar sin recubrir para crear toques de luz, y los lavados se aplican uno sobre otro para conseguir gradaciones de tono. Gracias a su rapidez para secarse y su facilidad de transporte, es apreciada tradicionalmente como medio para bocetos en exteriores.
Aguada
Acuarela opaca. Los pigmentos (partículas de color) se aglutinan con goma arábiga; los tonos más claros se consiguen añadiendo blanco. Así pues, la aguada se diferencia de la acuarela, en la que los tonos pueden aclararse mediante la simple adición de agua.
La textura gruesa de la aguada puede producir los mismos efectos que la pintura al óleo, pero tiene la desventaja de producir al secarse un tono final más claro que el que aparece durante su aplicación.
Antiarte
Término supuestamente inventado por Duchamp hacia 1914 para designar formas revolucionarias de arte. La incorporación por el propio Duchamp de una leyenda obscena y unos bigotes a una copia de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci fue un ejemplo de antiarte.
El término sintetiza también muchos de los experimentos anárquicos de los dadaístas. Fue empleado después por los adeptos del arte conceptual de la década de 1960 para designar la obra de quienes afirmaban haberse retirado totalmente de la práctica del arte, o al menos de la producción de obras que pudieran venderse. La exposición por parte de Baldessari de las cenizas de sus pinturas quemadas se consideró un gesto típico de antiarte.
Art brut
Término francés (arte bruto, arte sin refinar) acuñado por Dubuffet en 1947 que se emplea para designar la obra producida fuera de la escena artística establecida por personas no instruidas, como niños, enfermos mentales o delincuentes (Wallis y Wölfli).
Llamado también «outsider art», se suele considerar una forma de expresión más auténtica y espontánea que gran parte del arte expuesto en museos
y galerías.
Arte cinético
El término cinético se emplea para designar el arte que incorpora el movimiento real o aparente, y fue introducido por vez primera en la década de 1920 por Gabo, aunque no alcanzó su máxima difusión hasta los decenios de 1950 y 1960.
El arte cinético puede ser muy sencillo, como los móviles accionados por el viento de Calder, o complejo, como las esculturas impulsadas por motores de Jean Tinguely. El término puede aplicarse también a las obras de arte que utilizan efectos de luz para dar al espectador la ilusión de movimiento.
Arte corporal
La utilización del propio cuerpo como materia prima del arte. El uso de este excelente medio de expresión se generalizó en las décadas de 1960 y 1970. El arte corporal ha sido el camino más directo para explorar cuestiones de género y sexualidad (véase Acconci).
Ha puesto a prueba los límites de la resistencia humana, como ilustra el artista Nitsch, que se ató a un crucifijo para una performance. En ocasiones, ha supuesto horripilantes actos de automutilación, como cuando Pane se hizo un corte en la barriga con una cuchilla de afeitar.
Junto con la per-formance, el arte de la tierra y el arte conceptual, ha llevado el arte más allá de los confines de la galería y ha planteado cuestiones de propiedad y permanencia.
Arte de la tierra
Forma de arte que utiliza elementos naturales. Surgido a mediados de la década de 1960 como reacción contra la creciente comercialización del arte y contra el contexto tradicional de la galería o el museo, el arte de la tierra entabló un diálogo directo con el entorno.
Algunos artistas llevaron la naturaleza a la galería (De Maria), mientras que otros trabajaron en el paisaje, transformándolo en formaciones abstractas mediante actividades de arado, cavado, nivelado y corte, lo que a menudo exigia el uso de bulldozers y excavadoras mecánicas (véase Smithson).
Una variedad más delicada del arte de la tierra puede observarse en la obra de artistas británicos como Goldsworthy y Long, que han producido obras confeccionadas a base de hojas y piedras y después las han colocado en el paisaje.
A menudo de gran escala y situada en lugares remotos, las obras del arte de la tierra son con frecuencia efímeros y están sometidos a las fuerzas erosivas de la naturaleza. Depende por tanto de la fotografía como medio de documentación.
Arte figurativo
Arte que representa imágenes reconocibles del mundo que nos rodea. Estas imágenes pueden ser fieles y exactas o sumamente distorsionadas (véase Braque). A veces se emplea el término «Arte representativo» como sinónimo del arte figurativo.
Arte público
Término sumamente vago que designa cualquier obra de arte hecha para un espacio público fuera de la galería o el museo. El arte público floreció en la década de 1960, cuando los gobiernos comenzaron a asignar fondos para proyectos comunitarios, y los artistas comenzaron a hacer obras de exteriores en gran escala. Un aspecto polémico es que tales obras no siempre se encargan previa consulta con la comunidad local (véase Serra).
Muchos artistas usan espacios comunitarios a fin de llegar a un público no interesado en el arte y para formular enunciados politicos. Además de plazas y parques públicos, los artistas se han apropiado de vallas publicitarias (véase Holzer), marquesinas de paradas de autobús, casas abandonadas (véase Whiteread) y estaciones de ferrocarril subterráneo como emplazamiento de sus obras.
Assemblage
La incorporación de materiales tridimensionales no artísticos y de objetos encontrados a una obra, inspirada originalmente por las técnicas del collage. Las raíces del assemblage se hallan en los primeros años del siglo XX, cuando Picasso comenzó a usar objetos reales en sus construcciones cubistas, añadiendo, por ejemplo, una cuchara a su ingeniosa escultura Vaso de absenta (1914).
Uno de los primeros y más famosos antecedentes del assemblage fue la rueda de bicicleta de Duchamp atada a un taburete, conjunto al que catalogó como «objeto ya creado» (ready-made). Más tarde, los dadaistas y los surrealistas basaron su obra en sorprendentes conjunciones de objetos e imágenes dispares.
La técnica gozó de especial aceptación a finales de la década de 1950, cuando los artistas, como Arman y Dine, hacían obras de assemblage, asimilando diversos materiales, como alimentos y objetos desechados, a la pintura y la escultura.
Bibliografía: El ABC del Arte del Siglo XX
Y así concluye este post con términos de Arte con la A, en próximo, exploraremos a partir de la B.